Concierto didáctico. La evolución del lenguaje y los instrumentos
musicales.
Cuando hablamos de
evolución del lenguaje hablamos de cambios de elementos que van
cobrando significados nuevos. Cuando hablamos de géneros hablamos de
estratificaciones que implican modelos de estandarización sea de
instrumentaciones, recurrencias en combinatoria de escalas, procesos
modulatorios y definiciones rítmicas que muchas veces se proponen a
modo de definiciones geográficas. Luego el elemento que aporta
cambios al proceso estratificado o de homologación del género lo
suma el estilo que es consecuencia de experimentos ya personales que
favorecen la evolución de la expresión dada. Género implica
recreación o emulación de los factores básicos de una expresión
que se transmiten de una generación a otra y ya hablar de estilos es
mas bien hablar de recursos específicos que aporta un intérprete o
autor o cambios a determinada música y la acumulación de este
proceso de cambios propicia ya nuevas definiciones de género.
En líneas
generales hablar de rock, de jazz o de flamenco es hablar de
definiciones de territorios de expresión con sus puentes, fronteras
y su topografía intrínseca que determina singularidad y luego hay
intérpretes que suman su estilo a la idea aportando vitalidad …
Y con los
instrumentos es parecido y así vemos fenómenos cercanos en el
tiempo de cómo el cajón peruano se transforma en cajón flamenco al
introducir un cordal como resonador interno en la caja, antes la
vihuela o laud en guitarra, o la mutación ya tecnologicamente mas
disruptitiva del clavicordio en piano, ya que en este caso el
clavicordio debido a su sistema de pulsación con púa podríamos
decir que tiene mas familiaridad con un laud que con un piano que se
basa en un sistema de percusión por palancas de segundo grado, o una
palanca que mueve otra aunque el nexo entre ambos instrumentos es que
se trata de instrumentos de teclado …
Lo que sí es claro
desde los tiempos más antiguos que el ser humano hace un culto al
sonido y al principio eso fue en las cavernas, luego en lugares de
culto donde se recreó fenómenos acústicos como templos primitivos
y luego en la modernidad desde dispositivos electrónicos y
últimamente digitales donde se recrea la sensación de espacio que
otorga una reverb, o reverberación que deja la sensación de
amplitud aportando profundidad espacial a una voz.
Una escala es un
grupo de sonidos con una determinada estructura interna a modo de
sonidos sucesivos que se interrelaciona con otros grupos de sonidos
conformando el tejido melódico de una música.
Un acorde es ya
superposición de sonidos y sobre esto se desarrolla primero la
polifonía y luego a modo de simplificación el material sonoro la
ciencia de la armonía iniciada por Rameau aunque siglos antes ya
Pitágoras hablaba de la armonía de la esferas entre otros
precursores de ese ideario.
De Pitágoras nos
queda la división en proporciones de la escala de armónicos siendo
la octava el punto central entre dos extremos de una cuerda, la
quinta se ubica en las dos terceras partes y así sucesivamente
siendo esta conceptualización una de las bases que hicieron a la
ciencia moderna, es decir transformar en proporciones medibles lo que
antes eran sensaciones no cualificadas.
En cuanto al ritmo
hay cierta clasificación de compases concebida desde ideas básicas
de compases, luego compases simples y compuestos y posteriormente
amalgamas y aditivos. Y el punto creativo interesante luego de
entender estas ideas básicas es experimentar superposiciones de
planos rítmicos y a estas superposiciones podemos llamarlas
polimetrías y polirritmias siendo que el primer caso consiste en
superponer dos o más voces rítmicas con diferentes acentuaciones
pero con una figura común como base y el segundo caso ya es
superponer grupos de figuras sin una base común y este fenómeno
solemos hallarlo en partituras para piano …
Sintetizando,
podemos ver la música desde la elaboración básica de ideas de
melodía, armonía y ritmo a lo cual podemos adosar creatividad
experimentando con los instrumentos musicales y la voz sobre los
fenómenos del lenguaje mencionados.
Tareas didácticas.
Aportando elementos
básicos que hacen a la definición de rock jazz flamenco y más
géneros
completar grupos de
ensamble para experimentar texturas sonoras como bases de la música.
Melodía: Los modos
gregorianos derivados de los modos griegos en prácticas de monodía
y combinándolos. Paso siguiente: la fragmentación de estos modos en
tetracordios y recombinación de estos elementos sumando de este modo
nuevas escalas …
La superposición de
escalas. Referencia al origen de la polifonía en el canto gregoriano
(Palestrina y Tomás Luis de Victoria). Experimentos a dos voces
sobre un texto dado (En la antigüedad en la misa se hacía en latin
: Kyrie de Palestrina por ej.)
Observando la
evolución geométrica de estas polifonías originales nos sumergimos
en una comprensión de base para luego entender y adquirir un punto
de comparación con músicas modernas que necesariamente utilizan
otras relaciones melódicas y armónicas … mismo con músicas
étnicas complejas que tienen una evolución a partir de una
elaboración compositiva que vale la pena visualizar.
Luego del nacimiento
del contrapunto y su evolución durante siglos se formaliza la
armonía en la música desde la conceptualización de las funciones
armónicas en las ideas de tónica como reposo, tensión como
dominante, y alejamiento o perspectiva como subdominante. Y luego el
círculo de quintas como adn estructural de la armonía funcional, y
posteriormente se elaboran conceptos de embellecimiento y sustitución
de acordes …
El caso del flamenco
en la guitarra adquiere una evolución llamativa y que vale la pena
mencionar.
El cajón flamenco
tbien merece una exposición aparte.
En este caso la
divergencia entre géneros y estilos queda zanjada con la exposición
de palos del flamenco, que refieren a contextos ritmicos específicos
y que se corresponden con coloraturas armónicas características. Y
luego se da, logicamente, la evolución de esas coloraturas y
diferentes modos, con tendencia asimétrica, de partición de acordes
según el toque o modo de fraseo o la construcción misma de las
frases musicales …
En el jazz no es tan
diferente el proceso lo que si se dio una racionalización de todo
esto un poco antes debido a que esa expresión nace de una parte del
mundo con una economía más próspera desde la perspectiva reciente.
Pero textos de enseñanza de improvisación como el clásico
Improvisando en jazz de Jerry Coker son también métodos de
composición musical donde se promueve la práctica musical en grupos
de ensamble. De ese libro nos encontramos con una buena clasificación
de las especies musicales y el principio de sustitución de acordes.
De aquí aprendemos
que la forma de blues es un espacio de improvisación que tiene
ciclos de doce compases y donde se superponen acordes mayores con
menores dando esa característica especial blusera … Las tensiones
de dominante en este género musical no suelen resolverse sino que se
suelen dar desarrollos armónicos de tensión poco habituales.
Metricamente se da un juego entre subdivisiones binarias y ternarias
que producen polirritmias diversas y esto es parte también del juego
en la textura sonora del blues, a esa oscilación entre la división
binaria y ternaria se la llama swing.
Trabajos prácticos
sobre la forma de blues formando grupos de ensambles aplicando los
recursos armónicos y rítmicos mencionados.
Las especies
armónicas, experiencias sonoras con acordes tríadas y embellecidos
y construcción de
secuencias armónicas básicas. Desarrollos de dominantes y procesos
modulatorios.
Aplicación de estos
recursos a distintos géneros musicales.
M.J. 14/10/2022
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